El 30 de julio es el aniversario del natalicio de Giorgio Vasari, nada menos que el primer historiador de arte de la humanidad. Fue un artista que vivió durante el siglo XVI en Italia, el siglo más prolífico para el arte renacentista y que sentaría las bases y los cánones para lo que se consideraría buena pintura, arquitectura y escultura en los siglos subsecuentes.
El legado de Vasari es brutalmente importante, en su libro La vida de los artistas, es el primero en segmentar los periodos artísticos como estamos acostumbrados a hacerlo hoy en día, separa el renacimiento italiano de acuerdo a cómo para él se alcanzó la maestría de las artes.
Una primera sección habla de lo que ahora se conoce como Protorrenacimiento, grandes artistas como Cimabue, Duccio y Giotto en especial, que sentaron las bases de una evolución pictórica para darle cabida a una segunda época, el Bajo Renacimiento, representado por Masaccio, el primero en darle perspectiva y profundidad a un cuadro con su Trinidad, utilizando un punto de fuga, Brunelleschi que ideó la cúpula monumental de la Catedral de Santa María del Fiore, Donatello con sus Davides y Botticelli entre otros. Trayectoria que llevaría a la tercera parte del libro, el Alto Renacimiento, donde para Vasari se ha alcanzado un non plus ultra de las bellas artes con Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Tizano.
Sus planteamientos son de suma importancia, en primer lugar histórica porque deja un registro fidedigno de la escena artística de la época, pero también porque plantea máximas del arte que hasta el día de hoy perduran. Una de estas máximas es su idea sobre que el dibujo es el padre de todas las artes, es la base para pintar, esculpir y construir. Este planteamiento marcaría la pauta para que en los años subsecuentes las Academias de cada país y época dieran un peso alto a la enseñanza y maestría del dibujo técnico, anatómico y arquitectónico. Gracias a esto tendríamos acceso como humanidad a muchas de las más grandes obras de arte. como son:
Giotto di Bandone, Lamentación sobre Cristo Muerto, 1304-1306
Esta obra es revolucionaria para la historia de la pintura, Giotto es la figura más importante del Renacimiento Florentino y le da mucha importancia a unir la religiosidad y teología a la pintura como arte público
La evolución técnica después de la Edad Media recae en la creación de composiciones basadas en la observación y el sentido común
Aún no se ve una perspectiva sofisticada, sin embargo Giotto empieza a usar distintos planos y tonos de color que dan profundidad además de distintas temporalidades en las escenas
Aún con Giotto no vemos un tratamiento anatómico excepcional pero sí intenta dar volumen a través de las túnicas y por primera vez expresión a los personajes de sus obras.
Filippo Brunelleschi, Cúpula de Santa María del Fiore, 1420-1434
La cúpula de la catedral significó un avance revolucionario para la arquitectura. Filippo Brunelleschi pasó meses pensando en maneras para crear una bóveda que cubriera el domo de la Catedral La dificultad de su construcción era que no se encontraba una manera para unir los arcos de una cúpula sin que se cayera. Finalmente concibió esta bóveda de crucero, que se convirtió en la más grande del mundo después de la caída del Imperio Romano.
La cúpula se compone de ocho caras cubiertas con tejas de barro rojo, unidas por nervaduras de piedra blanca. Toda la estructura descansa en un tambor octagonal, las nervaduras convergen hacia un anillo octogonal superior que también colabora en la entrada de luz.
El interior de la cúpula está decorada con pinturas al fresco y al temple que representan El Juicio Final.
Rafael Sanzio, La escuela de Atenas, 1510-1511
Vasari se refiere a Rafael en su libro con gran admiración como a “un ser humano a quien la naturaleza dotó no sólo de riquezas creadoras y habilidades artísticas, sino también de virtudes de mente y alma.”
Rafael fue hijo de un pintor no muy reconocido pero de gran intelecto que lo educó para convertirse en un gran pintor. Se va a Perugia siendo aún joven para estudiar de la mano de Pietro Perugino. Al poco tiempo de estar bajo su enseñanza, Rafael logra adquirir su estilo y en breve logra superar al maestro en calidad pictórica.
Este fresco fue pintado como parte de la comisión del Vaticano para pintar las estancias, que hoy en día son conocidas como las Estancias de Rafael.
Rafael supera a su maestro, Pietro Perugino cuando su maestría de perspectiva, profundidad y uso de las proporciones áureas sobrepasan lo imaginable hasta entonces.
En La Escuela de Atenas, podemos observar esta genialidad de perspectiva al identificar al menos cuatro planos, un manejo arquitectónico de tradición clásica impecable y líneas ortogonales que nos conducen a un punto de fuga explícito.
El cuadro representa la filosofía, en una sesión celebrada entre filósofos clásicos, podemos identificar a los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época, además de un autorretrato de Rafael.
Tiziano, Venus de Urbino, 1534
Vasari se refiere a Tiziano en su libro como “un maestro de la representación pictórica de la naturaleza”, Tiziano logra representar la sensación carnosa del cuerpo humano, la suavidad de una piel tersa y la individualidad de cada uno de los cabellos de sus modelos.
Tiziano no estudió en Roma a los grandes renacentistas como Miguel Ángel o Da Vinci, se quedó en Venecia donde después de un tiempo superó a su maestro Giorgone. Sus composiciones están basadas en la observación de la naturaleza y es conocido hasta la actualidad como uno de los pintores que mejor logran una fiel representación. Gracias a su técnica y a su maestría en el uso de los colores logra transmitir una sensación carnosa y real en sus personajes que dan una atmósfera muy bella a sus cuadros.
Tuvo muchos rivales en Venecia, sin embargo su habilidad artística y social al convivir con la nobleza le dieron siempre una ventaja sobre otros artistas.
La Venus de Urbino es un perfecto ejemplo de las habilidades pictóricas de Rafael. Es una joven desnuda en el lecho de un palacio veneciano, al fondo podemos ver a dos criadas arreglando un arcón de bodas y sobre la misma cama observamos a un perro que es símbolo de fidelidad pero también le sustrae la calidad de diosa a la mujer para convertirla en una mujer real.
Lo revolucionario del cuadro es que la joven aparece consciente y orgullosa de su desnudez, mira con complicidad y dulzura al espectador y se enaltece una sensación erótica gracias al aura dorada que cubre el cuerpo, la paleta de colores cálidos y la suavidad de la pincelada. Sin embargo la escena en segundo plano donde están las mujeres corresponde a una paleta fría, que le da un sentido de realidad al cuadro.
La relevancia de la narración de Vasari permanece hasta nuestros días como la primera prueba documental de la Historia del Arte en su concepción moderna. Sin sus aportaciones es probable que algunas de las grandes creaciones del renacimiento seguirían siendo un misterio para la humanidad y no habrían tenido una influencia tan fuerte en muchos otros artistas a lo largo de la historia.